La música japonesa se caracteriza por una gran cantidad de piezas enérgicas y pegajosas; sin embargo, también existen muchas canciones que acompañan los momentos de quietud y reconfortan el alma. Tales composiciones, denominadas «Chill Music», irradian un nuevo encanto al calmar el corazón en medio de la agitación cotidiana.
En este artículo, presentaré una selección de canciones japonesas que evocan una sensación de calma y sanación bajo el tema de «Chill Music Japan». Estas elecciones se basan en mi gusto personal, por lo que pueden inclinarse un poco hacia mis propias preferencias, pero ¿no es ese el disfrute subjetivo que constituye la verdadera belleza de la música? Espero que también las explores y disfrutes desde tu perspectiva única.
Al final del artículo, encontrarás una lista de reproducción en Spotify con las canciones presentadas aquí. Siéntete libre de escucharla y de dejar que acompañe tus momentos favoritos.
Haruomi Hosono: «Bara to Yajuu – New ver.»
«Bara to Yajuu» (Rosa y Bestia) fue originalmente incluida en el primer álbum de Haruomi Hosono, «HOSONO HOUSE», lanzado en 1973. Décadas más tarde, en marzo de 2019, la canción fue regrabada y reinterpretada para el álbum «HOCHONO HOUSE», ofreciendo una interpretación fresca y moderna. Este álbum es una regrabación completa del original «HOSONO HOUSE» con un giro contemporáneo.
Entrevistas sobre la realización de HOCHONO HOUSE brindan también perspectivas fascinantes. Una anécdota sorprendente revela que Hosono se inspiró durante la producción en artistas como Morning Musume, Ed Sheeran y Taylor Swift. Es tanto inesperado como impresionante verlo comprometido con la música contemporánea, reflejando su enfoque siempre curioso y exploratorio hacia el sonido.
Sobre todo, realmente amo su voz al cantar. En comparación con la versión original, su forma de cantar y tono han cambiado significativamente, pero esta evolución refleja la profunda riqueza de expresión que ha cultivado en casi 50 años. Cada nota parece llevar el peso del tiempo, y con cada escucha, resuena profundamente en mi corazón.
Izumi Makura: «Inochi feat. Lovely Summer-chan»
*El título «Inochi» significa «vida» en español.
Amo absolutamente el estilo de rap de Izumi Makura. Aunque palabras poderosas y penetrantes tienen su propio atractivo, su rap japonés suave y redondeado en esta canción revela una nueva dimensión de su arte. Es como si capturara delicadamente momentos fugaces de la vida cotidiana —pequeñas conversaciones, palabras al azar a un lado del camino— y esos fragmentos de existencia diaria se disuelven suavemente en sus letras. El resultado es una atmósfera tranquila y reconfortante que se siente como un cálido abrazo.
A primera vista, las letras pueden parecer inspiradas en escenas ordinarias, pero en su núcleo hay un fuerte tema de «vivir». Esta canción transmite un mensaje de abrazar todos los días vividos y caminar audazmente hacia el futuro. Es un testimonio de resiliencia y autoaceptación, envuelto en melodías suaves.
La voz de Lovely Summer-chan añade aún más encanto a esta pista. Su voz suave y ligera complementa perfectamente el rap de Izumi Makura, creando una armonía calmante que eleva la calidez y la profundidad de la canción. Juntos, crean una pieza que se siente tanto profundamente personal como universalmente relatable.
HOTEL DONUTS: «Convenience Boy» / TOSHIKI HAYASHI (%C) × maco marets × Satomoka × Daisuke Yamada
Centrada en las dulces y tiernas vocales de rap de Satomoka, «Convenience Boy» es una pista impresionante en la que los raps masculinos y femeninos se alternan en un estilo calmante y conversacional. Esta entrega contenida se convierte en una de las características más cautivadoras de la canción, creando una experiencia auditiva singularmente agradable.
La canción forma pareja con «Insomnia Girl», ambas incluidas en el mismo EP. Aunque ninguna de las pistas retrata una relación particularmente feliz, exploran el frágil estado mental de navegar entre la seguridad y la ansiedad, diciéndose a uno mismo: «Quizás esto está bien.» Esta complejidad emocional resuena profundamente con los oyentes, invitando tanto a la empatía como a la introspección.
Dentro de esta narrativa, no podemos evitar preguntarnos: «¿No hay algo indecible en cada relación?» o «Si pudiéramos expresar todo lo que sentimos, ¿el amor seguiría existiendo?» Sin embargo, más allá de estas reflexiones, las voces y melodías reconfortantes de Satomoka y el conjunto envuelven al oyente en un cálido y acogedor abrazo, trascendiendo las incertidumbres del amor.
Shintaro Sakamoto: «Tsubame no Kisetsu ni»
«Tsubame no Kisetsu ni» se traduce como «Por la época de las golondrinas». Lanzada en diciembre de 2020, durante la pandemia de COVID-19, esta canción captura la mezcla de incertidumbre y anticipación que muchos sentían en ese momento, preguntándose: «¿Qué tipo de futuro nos espera?» Sin embargo, su melodía no lleva ninguna sensación de oscuridad; en cambio, es ligera, refrescante y reconfortante. Personalmente, soy de aquellos que encuentran consuelo al escuchar esta canción con regularidad.
Para contextualizar, las golondrinas son aves migratorias que viajan desde el Sudeste Asiático hasta Japón en primavera y regresan a países más cálidos en otoño. Sus viajes estacionales simbolizan la renovación y el ciclo de la vida, añadiendo una capa de profundidad a las imágenes evocadas por la canción.
Curiosamente, encontré esta pista por primera vez después de que la pandemia terminó. Como resultado, no la percibí únicamente como un reflejo de aquel tiempo, sino más bien como una expresión de la anticipación que viene con el cambio de estación: esperar la primavera, cuando las golondrinas regresan a Japón tras el invierno. Este sentimiento se siente universal, trascendiendo el tiempo y las circunstancias, y resuena con cualquiera que haya experimentado un anhelo silencioso por lo que está por venir.
En ese sentido, la canción no se limita a una era o situación específica. Se siente más como una celebración de la vida cotidiana y la sutil mezcla de emociones que acompañan el cambio de estaciones: las pequeñas pero profundas expectativas y la leve sensación persistente de inquietud. Captura hermosamente esos momentos efímeros, pero profundamente humanos.
Hitsuji Bungaku: «Shirakawa Yofune»
Esta canción se inspiró en la película japonesa «Shirakawa Yofune» (Asleep), dirigida por Shingo Wakagi en 2015. La película se basa en una novela de Banana Yoshimoto, publicada originalmente en 1989. Con el sueño como tema central, la película presenta un diseño de sonido tan silencioso e inmersivo que podrías sentirte adormilado junto a la protagonista mientras la ves en un cine oscuro. En lugar de una banda sonora tradicional, la película se apoya en sonidos ambientales: el susurro de la ropa, el giro de una lavadora o el zumbido lejano de un tren. Visuales sutiles como la luz suave filtrándose a través de cortinas de encaje, el brillo tenue de una lámpara de noche o la extraña sensación de despertar en una tarde perezosa, capturan una atmósfera onírica y melancólica. Esa esencia parece estar entretejida en el ambiente de la canción.
Las letras evocan la letargia de un día libre en la juventud: pensar en alguien especial, no poder resistirse al impulso de dormir, pero aún sentir el hambre. El acompañamiento discreto de la guitarra acústica encaja perfectamente con esta vibra lánguida, añadiendo profundidad al tono nostálgico de la canción.
Si tienes curiosidad por saber más sobre la inspiración detrás de la pista, ¡una entrevista en THE FIRST TIMES profundiza en su trasfondo! Definitivamente vale la pena consultarla.
Ozora Kimishima & Moeka Shiozuka: «Circus Night»
Aquí hay otra conexión con Hitsuji Bungaku. «Circus Night» fue lanzada originalmente por Tabito Nanao en 2012 y, más tarde, Ozora Kimishima la versionó, con la participación vocal de Moeka Shiozuka de Hitsuji Bungaku. Los dos también actuaron juntos en «THE FIRST TAKE«, un popular canal japonés de YouTube conocido por sus actuaciones en vivo de una sola toma, lo que sugiere una relación cercana. Su conexión se remonta a sus años de adolescencia, cuando Kimishima asistió a una actuación de Hitsuji Bungaku en la escuela secundaria, lo que desencadenó una amistad duradera.
Escuchar esta pista es como ser atraído dentro de una carpa de circo, donde se despliega a tu alrededor una atmósfera encantadora y extraordinaria. La canción crea una vívida sensación de un espacio de otro mundo, permitiendo que las emociones únicas de la música cobren vida ante tus ojos.
Las letras, al comparar el amor con un acto de funambulismo en un circo, evocan una sensación de vagar en el espacio liminal entre sueños y realidad. De hecho, incluso insinúan un deseo de seguir vagando indefinidamente. La magia distintiva de esta canción perdura en el corazón del oyente, sin importar cuántas veces se escuche.
SEKAI NO OWARI: «Kagerou»
Esta canción tiene dos versiones distintas. Una es una versión cover interpretada por el vocalista de la banda, Fukase, y la otra es la versión original, escrita, compuesta e interpretada por Saori, la pianista de la banda. Ambas versiones son cautivadoras por derecho propio, pero aquí me centraré en la original.
La canción apareció por primera vez en el álbum «Scent of Memory», lanzado en marzo de 2022, con Saori en los vocales. Más tarde, en junio de 2022, la versión cover de Fukase se incluyó como la tercera pista del sencillo «Habit». Cada interpretación tiene su propio encanto, mostrando diferentes lecturas de la misma pieza.
Los comentarios de Fukase sobre la canción en una entrevista con la revista «Rockin’ On Japan» dejaron una impresión duradera en mí. Aunque la entrevista fue hace más de dos años y mi memoria puede estar un poco borrosa, recuerdo que él expresó cuánto amaba la canción y cómo siempre había querido versionarla con su propia voz. Mencionó que, como vocalista experimentado, abordó la grabación con la intención de superar al original, aunque admitió la dificultad de capturar la esencia única y delicada de la canción. Sus palabras transmitieron un profundo respeto por la versión original y su encanto efímero e insustituible.
De hecho, la versión original de Saori posee una fragilidad rara, con una interpretación vocal contenida pero profundamente resonante que cautiva a los oyentes. El hecho de que cante las propias palabras que ella misma creó añade autenticidad y naturalidad a la interpretación, haciéndola aún más convincente.
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